"मेरी पांच साल की बेटी भी इसी तरह चित्र बनाएगी": कला को समझना कैसे शुरू करें और इसके लिए आपको क्या जानना चाहिए
अनेक वस्तुओं का संग्रह / / November 24, 2023
चित्रकारों के बारे में रोचक तथ्य और चित्रों से ठीक से परिचित होने के टिप्स।
हम हमेशा कलाकारों या मूर्तिकारों के कार्यों को व्यक्तिपरक रूप से देखते हैं, क्योंकि रचनात्मकता में कोई सख्त मानक नहीं होते हैं। कला समीक्षक निकिता मोनिच ने साइंस पुलवेराइज़र पॉडकास्ट के श्रोताओं को बताया कि कला को समझना कैसे सीखें और क्या आप रचनाकारों के जीवन और कार्य के बारे में रूढ़ियों पर विश्वास कर सकते हैं।
निकिता मोनिच
कला समीक्षक, यूट्यूब चैनल "अबाउट कल्चर" चलाते हैं, मैड्रिड में व्याख्यान देते हैं और भ्रमण आयोजित करते हैं।
क्या एक कलाकार को सच में भूखा रहना पड़ता है?
जटिल समस्या। हम अक्सर इस रूढ़िवादिता का सामना करते हैं। लेकिन आइए "कलाकार" शब्द को किसी अन्य पेशे के नाम से बदलें। क्या यह सच है कि एक गणितज्ञ, एक मैकेनिक, एक मंत्री या एक राष्ट्रपति को गरीबी में रहना चाहिए? यदि हम में से प्रत्येक अपने स्वयं के व्यवसाय के बारे में सोचता है, तो हम संभवतः इस निष्कर्ष पर पहुंचेंगे: "मैं निश्चित रूप से काम करता हूं ताकि भूखा न रहूं।" और कलाकार अपने काम को उसी तरह से मानते हैं।
यह भी स्पष्ट करने योग्य है कि "पेशेवर कलाकार" का क्या अर्थ है।
शौक और पेशे में क्या अंतर है? हम शौक पर पैसा खर्च करते हैं, लेकिन पेशे से पैसा कमाते हैं। तदनुसार, एक पेशेवर कलाकार वह नहीं है जिसके पास एक या दो डिप्लोमा है, बल्कि वह परीक्षक के रूप में काम करता है या पिज्जा वितरित करता है। एक पेशेवर कलाकार वह होता है जो अपनी रचनात्मकता से पैसा कमाता है।
निकिता मोनिच
लेकिन ऐसा होता है कि किसी चित्रकार के काम को उसकी मृत्यु के बाद ही उचित मूल्यांकन मिलता है। ऐसे कई रचनाकार हैं जिन्होंने गरीबी का जीवन जीया और बिना समझे ही मर गए। और उनके पास यह देखने का समय नहीं था कि उनकी पेंटिंग की मांग थी। इसलिए, कला इतिहासकारों का मानना है: यदि चित्रकार के कार्यों को अत्यधिक महत्व दिया गया है, तो उसे एक पेशेवर माना जा सकता है जिसने कला में महत्वपूर्ण योगदान दिया है।
बेशक एक कलाकार को भूखा नहीं रहना पड़ता, लेकिन कभी-कभी वह गरीबी में जीने को मजबूर हो जाता है। ऐसा होता है कि दुनिया के बारे में उनका दृष्टिकोण, उनके संदेश जो वह अपने कार्यों के माध्यम से व्यक्त करने की कोशिश करते हैं, पेंटिंग खरीदने वालों के साथ मेल नहीं खाते हैं। नवप्रवर्तकों के साथ अक्सर ऐसा होता है। या उन लोगों के साथ जिन्हें अपने रचनात्मक जीवन की एक छोटी सी अवधि के दौरान ही पहचान मिल जाती है। फिर ये मालिक सचमुच भूखे रह जाते हैं.
लेकिन सौभाग्य से हम बहुतों को जानते हैं कलाकार कीजो सफल रहे. वे अच्छी तरह समझते थे कि उनके समकालीनों को क्या चाहिए। और वे पारंपरिक दृष्टिकोण में एक नई दृष्टि भी जोड़ सकते हैं। लेकिन उन्होंने इसे मात्रा में किया - ताकि समाज उनके अभिनव निर्णयों को स्वीकार कर सके।
ऐसी पहचान राफेल, रूबेन्स और बाद में मार्क चैगल, साल्वाडोर डाली, पाब्लो पिकासो को मिली।
लेकिन अन्य उदाहरण भी हैं - मान लीजिए, क्लिम्ट और शिएले। पहले का करियर शानदार था और वह वियना में सबसे सफल कलाकार थे। दूसरा उनका छात्र है. उन्होंने एक दुखी छोटा जीवन जीया और अंत में ही उन्हें पहचान मिली।
इसलिए, ऐसा होता है कि कलाकार का आदर्श वाक्य 'ल'आर्ट पोर ल'आर्ट' बन जाता है - "कला कला के लिए।" और पैसा तो चाहिए ही कमाना अन्यथा। उदाहरण के लिए, प्रसिद्ध दा विंची ने यही किया था।
लियोनार्डो दा विंची, जब वह खाना चाहते थे, अपना करियर बनाना चाहते थे और, सिद्धांत रूप में, समाज के एक योग्य सदस्य बनना चाहते थे, तो उन्होंने ड्यूक ऑफ मिलान की सेवा के लिए आवेदन किया। और उन्होंने कहा: प्रिय ड्यूक, मुझे पता है कि अद्भुत किलेबंदी कैसे बनाई जाती है, मैं आम तौर पर एक शहरीवादी हूं।
निकिता मोनिच
क्या हम कलाकार किंवदंतियों को तथ्यों से अलग कर सकते हैं?
आइए लियोनार्डो के बारे में बात करना जारी रखें और उनकी मोनालिसा को देखें। इस प्रसिद्ध पेंटिंग के आसपास कई किंवदंतियाँ हैं। उदाहरण के लिए, यह माना जाता है कि कलाकार ने संगीतकारों को काम पर रखा था ताकि मॉडल को चित्रित करते समय वह ऊब न जाए। और जिओकोंडा की प्रसिद्ध मुस्कान इसी संगीत की बदौलत प्रकट हुई। और सामान्य तौर पर, कलाकार ने केवल 12 वर्षों तक लड़की के होठों को रंगा।
यहां तथ्यों को अटकलों से अलग करना मुश्किल है। हम इसके बारे में लगभग कुछ भी नहीं जानते कि यह वास्तव में कैसे काम करता है दा विंसी और उनके समकालीन. हाँ, उदाहरण के लिए, हम लियोनार्डो की डायरियों का अध्ययन कर सकते हैं। लेकिन उनके नोट्स का अर्थ निकालना कोई आसान काम नहीं है.
हज़ारों पन्नों में खरीदारी की सूचियाँ, पेंटिंग की प्रकृति पर विचार और प्रोपेलर बनाने के तरीके पर विचार शामिल हैं। इधर मछली लपेटी गई, इधर हाथ, उधर खींचा हुआ पैर। संक्षेप में, हम दा विंची के बारे में उनकी अपनी गवाही से बहुत कुछ नहीं जानते हैं।
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हम कलाकार और कला समीक्षक वसारी के रिकॉर्ड से लियोनार्डो और उनके समकालीनों की जीवनियों से परिचित हैं। लेकिन हम नहीं जानते कि इन कार्यों में तथ्य कितनी सटीकता से प्रतिबिंबित होते हैं, जो विहित हो गए हैं।
उदाहरण के लिए, वसारी मोना लिसा की भौंहों का वर्णन करता है। लेकिन कैनवास पर कोई भौहें नहीं हैं। इसके अलावा, वे न केवल अंतिम संस्करण में अनुपस्थित हैं। बाहरी परत के नीचे, यदि आप एक्स-रे का उपयोग करके चित्र का अध्ययन करते हैं, तो भौहें भी दिखाई नहीं देती हैं। यह पता चला है कि वसारी ने या तो यह तस्वीर खुद नहीं देखी थी और "राबिनोविच ने उसे गाया था", या उसने इसे देखा था, लेकिन स्मृति से इसके बारे में लिखा था और गलती हो गई थी।
लेकिन ऐसे तथ्य भी हैं जिनके बारे में हम आश्वस्त हैं। लियोनार्डो ने ला जियोकोंडा को बहुत लंबे समय तक लिखा और इसे विशेष भावनाओं के साथ निभाया। 1467 में आदेश मिलने के बाद उन्होंने काम शुरू किया। फिर उन्होंने कभी ग्राहक को पेंटिंग नहीं दी और काफी समय तक उसे अपने साथ ही ले गए। 40 साल बाद लियोनार्डो काम पर लौटे। हो सकता है कि उसने केवल कुछ स्ट्रोक जोड़े हों - यहां तक कि एक्स-रे की मदद से भी हम यह नहीं कह सकते कि प्रत्येक विशेष स्ट्रोक किस वर्ष लगाया गया था। लेकिन हम जानते हैं कि कलाकार ने काम शुरू होने के कई साल बाद पेंटिंग पूरी की।
"मोना लिसा" फ्रांसिस प्रथम के तहत फ्रांस के चित्रों के शाही संग्रह में शामिल हो गई। उन्होंने इसे दा विंची की मृत्यु के बाद खरीदा था। लेकिन यह पूरी तरह से अलग लोगों द्वारा ऑर्डर किया गया था और ग्राहक के पास नहीं आया, क्योंकि सभी समय सीमाएँ बेशर्मी से चूक गईं।
निकिता मोनिच
कलाकार वास्तव में अपने चित्रों में किसे चित्रित करते हैं?
ऐसा प्रतीत होता है कि उत्तर स्पष्ट है: वे जो उनके लिए मॉडल के रूप में काम करते हैं। लेकिन अगर हम मोना लिसा के बारे में बात करते हैं, तो आप इस बारे में कई अटकलें सुन सकते हैं कि लियोनार्डो वास्तव में किसका चित्रण करना चाहते थे। कुछ लोग ऐसा स्वयं मानते हैं। या यहाँ तक कि मसीह भी.
वास्तव में, यह बहुत महत्वपूर्ण नहीं है कि चित्र के लिए मॉडल के रूप में किसने कार्य किया। प्रायः एक चित्र मात्र एक छवि होता है। मान लीजिए कि कैनवास पर मौजूद व्यक्ति पोज़ देने वाले व्यक्ति से काफी मिलता-जुलता है। हालाँकि, प्रत्येक पेंटिंग स्वयं कलाकार का चित्र भी है। लेकिन इसलिए नहीं कि वह हमेशा अपना रूप रंगता है।
यहां रूप महत्वपूर्ण नहीं है, बल्कि सामग्री महत्वपूर्ण है। अर्थात् वह संदेश, वह अर्थ जो कलाकार अपने प्रत्येक कार्य में डालता है। और यह संदेश पूरी तरह से रचयिता पर निर्भर करता है।
शास्त्रीय कला में महिलाओं की क्या भूमिका थी?
वे अक्सर रचनाकारों के लिए प्रेरणा बन गए। लेकिन वे स्वयं शास्त्रीय शिक्षा प्राप्त करने और कलाकार बनने में शायद ही कभी सक्षम थे।
यह सीमा के कारणों में से एक है। कोई भी पेंटिंग या मूर्ति एक संवेदी वस्तु है। रचनात्मकता हमेशा कामुकता से जुड़ी रही है। यह काफी हद तक ऊर्ध्वपातन है, यानी संवेदी ऊर्जा को दूसरी रचनात्मक दिशा में निर्देशित करना। और हम यह जानते हैं कलाकार कीशास्त्रीय कला का निर्माण करने वाले अक्सर नग्न महिला आकृतियों को चित्रित करते थे। इसी मकसद से मॉडल्स ने उनके लिए पोज दिए.
हालाँकि, पिछली शताब्दियों में किसी लड़की द्वारा नग्न पुरुष का चित्र बनाने के बारे में सोचना भी असंभव था। वह उसके साथ एक ही कमरे में भी नहीं रह सकती थी।
लेकिन इसका मतलब यह नहीं है कि महिलाओं ने कला को किसी भी तरह से प्रभावित नहीं किया है। इसके विपरीत, उनके बिना यह शायद ही उच्च स्तर तक पहुंच पाता।
हाल ही में प्राडो संग्रहालय बनाया गया परियोजना एल प्राडो एन फेमेनिनो। इसके रचनाकारों ने एक वीडियो बनाया जिसमें महिला द्वारा ऑर्डर की गई, खरीदी गई या महिला के संग्रह का हिस्सा बनाई गई सभी पेंटिंग संग्रहालय की दीवारों से गायब हो गईं। और परिणामस्वरूप, वीडियो में लगभग सभी मुख्य कृतियाँ संग्रहालय हॉल से गायब हो गईं।
क्योंकि जब पुरुष झाड़ियों में एक-दूसरे को पेशाब कर रहे होते हैं, तो महिलाएं कहीं अधिक महत्वपूर्ण कार्य कर रही होती हैं: सेटिंग करना उनके रहने की जगह, बच्चों का पालन-पोषण और सामान्य तौर पर - शासन का चेहरा, शाही दरबार, इत्यादि के लिए जिम्मेदार हैं आगे।
निकिता मोनिच
क्या एक सामान्य व्यक्ति, विशेषज्ञ नहीं, समसामयिक कला को समझ सकता है?
कोई भी पेंटिंग, मूर्तिकला, सजावटी और व्यावहारिक कला का काम, राग एक संदेश है। और इसे किसी भाषा में प्रसारित किया जाता है. इसका मतलब यह है कि इस संदेश को समझने के लिए, आपको उस भाषा को जानना होगा जिसमें यह प्रसारित किया गया है।
जब कोई व्यक्ति किसी चित्र में कुछ लोगों या वस्तुओं को देखता है तो अक्सर उसे ऐसा लगता है कि सब कुछ स्पष्ट है। दर्शक सोच सकता है: यह एक वास्तविक रूप से चित्रित सुंदर महिला है - इसमें अस्पष्ट क्या है? लेकिन वह रूपकों को नहीं देखता है, यह नहीं जानता कि चित्र में कौन सी कहानी एन्क्रिप्ट की गई है, इससे जुड़े साहित्यिक उद्धरणों को नहीं पहचानता है। यदि वह संतों को देखता है, तो वह नहीं जानता होगा कि वे किस लिए प्रसिद्ध हैं, उनके गुण क्या हैं, या इन गुणों की आवश्यकता क्यों थी। और अंत में, वह उस संदेश को नहीं समझ पाता जो कलाकार बताना चाहता था।
लेकिन वह व्यक्ति निष्कर्ष निकालता है: “मैं इसे समझता हूं, क्योंकि यहां लोग हैं। लेकिन यहां तो बस धब्बे हैं, मेरी पांच साल की बेटी भी ऐसे ही चित्र बनाएगी- मुझे समझ नहीं आता।”
जब कोई कहता है कि उसका पांच साल का बच्चा ऐसा कर सकता है, तो यह हमेशा सच नहीं होता। कला कोई वस्तु नहीं है. कला एक ऐसा रिश्ता है जो दर्शक और वस्तु के बीच पैदा होता है या नहीं। और यदि यह पैदा होता है, तो व्यक्ति ऐसा होता है: "ओह, कला!" और यदि यह पैदा नहीं हुआ है, तो वह कहता है, "यह कला नहीं है।"
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लेकिन किसी रिश्ते के निर्माण के लिए, आपको यह समझने की ज़रूरत है कि वास्तव में आपको क्या बताया गया था। यदि वाक्यांश किसी अजनबी की भाषा में लगता है भाषा - उदाहरण के लिए, वियतनामी या हंगेरियन में - उसे कुछ भी समझ में नहीं आएगा। और उसे संदेश प्राप्त नहीं होगा, भले ही वह अत्यंत महत्वपूर्ण हो और उसका जीवन बदल सकता हो।
हम निष्कर्ष निकालते हैं: कला को समझने का मतलब कलाकार द्वारा बोली जाने वाली भाषा को अच्छी तरह से जानना है। अगर आप इस भाषा को नहीं समझेंगे तो कलाकार को सुनना नामुमकिन हो जाएगा.
कला को समझना कैसे सीखें
यह समझने लायक है कि वास्तव में आपको क्या पसंद है और आप किससे मेल खाते हैं। ऐसा करने के लिए आपको अलग-अलग चीज़ें आज़माने की ज़रूरत है। यह उत्पादों के समान है: आप कई प्रकार के जूस की तुलना कर सकते हैं, और फिर तय कर सकते हैं कि आपको बीयर अभी भी बेहतर पसंद है। लेकिन पहले आपको प्रत्येक पेय को आज़माना होगा।
अगर आपने परिचित होना शुरू कर दिया है कला, दो नियम याद रखें:
- चित्र में रुचि दूसरी बार देखने से शुरू होती है। अगर आप इसे दोबारा देखना चाहें तो इसका मतलब है कि इसमें कुछ तो है.
- बिगाड़ने वालों से मत डरो. म्यूजियम जाने से पहले आप इसके बारे में पढ़ सकते हैं। और 20-30 उत्कृष्ट कृतियों को देखें जो वहां संग्रहीत हैं। उदाहरण के लिए, प्लेटफ़ॉर्म पर उन्हें ढूंढना आसान है गूगल कला एवं संस्कृति.
सबसे पहले, केवल चित्रों को देखें, पन्ने पलटें - पहले चरण में इतना ही काफी है। साथ ही, नए टैब में उन कैनवस को खोलें जिन्होंने आपका ध्यान खींचा। फिर इन कार्यों को दोबारा देखें, उनके बारे में पढ़ें।
बाद में, जब आप संग्रहालय जाएं, तो सीधे उन चित्रों पर जाएं जिनमें आपकी रुचि है। यानी पहले से ही परिचित कैनवस के लिए। यह आवश्यक है ताकि आप अपना सबसे मूल्यवान संसाधन - ध्यान - बर्बाद न करें।
एक बहुत ही महत्वपूर्ण बिंदु: हर चीज़ देखने की कोशिश न करें। "मेरे पास चार घंटे हैं, आगे लौवर के 400 हॉल हैं - अब हम इसका पता लगा लेंगे" - भगवान न करे! 100 से भी अधिक वर्ष पहले, "संग्रहालय थकान" शब्द गढ़ा गया था। यह बस आपको उड़ा देगा; आपकी हार्ड ड्राइव पर खाली जगह खत्म हो जाएगी।
निकिता मोनिच
इसलिए, केवल वही देखें जो आपने पहले से योजना बनाई है। और फिर जो कुछ आपने देखा उनमें से तीन कार्यों को अलग करने का प्रयास करें:
- आपको सबसे ज्यादा क्या पसंद आया.
- आपको सबसे ज्यादा क्या पसंद नहीं आया.
- आपको सबसे अजीब क्या लगा.
फिर अपना स्मार्टफोन लें और उसे ऑन करें खतरे की घंटीताकि पांच मिनट में बज जाए. यह बहुत महत्वपूर्ण है कि इस समय स्क्रीन को न देखें, इसलिए इसे एक अलार्म घड़ी बनने दें, टाइमर नहीं। और चुनी गई तस्वीर से पांच मिनट तक बात करें. ज़ोर से बोलना सुनिश्चित करें, केवल शांति से - आप अभी भी एक संग्रहालय में हैं। दोहराव के बिना, औसत गति से बोलें। अलार्म बजने तक जारी रखें।
जब यह बजता है, तो आपको इस तस्वीर के बारे में बड़ी मात्रा में नई चीजें पता चलेंगी। यह ऐसा है मानो आप किसी स्टीरियोटाइप की पारभासी झिल्ली को तोड़ देंगे। किसी प्रकार के संदर्भ बिंदु के रूप में तीन चित्रों के साथ ऐसा करके, आप नींव रखेंगे।
निकिता मोनिच
ठीक है, यदि आप हर बार किसी नई प्रदर्शनी में जाने पर इस तकनीक को दोहराते हैं, तो समय के साथ आप अवधारणात्मक अनुभव अर्जित करेंगे। और आप कला की बेहतर व्याख्या कर पाएंगे।
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